We are searching data for your request:
Upon completion, a link will appear to access the found materials.
تخبرني ويكيبيديا أن بعض أبناء الأباطرة تم تخفيض رتبتهم (تمت إزالتهم من النسب الملكي) وتم تعيينهم في تايرا بالإضافة إلى "عشائر" ميناموتو خلال فترة هييان.
كيف عمل هذا؟
- هل كان هناك سبب منطقي خاص لتخصيص الناس لشخص دون الآخر؟
- هل كان من المفترض أن تكون العشائر هي الهوية الاجتماعية المهيمنة لأعضائها؟
- هل قدموا / تطلبوا خدمات خاصة؟
- كيف أثر مكون الأجيال (مثل Saga مقابل Seiwa Genji) على الموقف؟ على سبيل المثال ، هل تعرف كل من ساغا وسيوا جينجي على أنهما ميناموتو وبالتالي كان من المرجح أن يتعاونا مع بعضهما البعض أكثر من العشائر الأخرى؟
حرب Gempei
Gion shôja no kane no koe ، shogyô mujô no hibiki ari. شارا سوجو نو هانا نو إيرو ، شوشا هيسوي نو كوتو واري وو أراواسو. Ogoreru hito mo hisashikarazu و tada haru no yoru no yume no gotoshi. Takeki mono mo tsui ni horobinu، Hitoe ni kaze no mae no akuta ni onaji.
يعكس صوت أجراس معبد Gion Shôja عدم ثبات كل الأشياء ، يكشف لون أزهار sala عن حقيقة أن الازدهار يعني السقوط. المتكبرون لا يحتملون السقوط العظيم أخيرًا ، ليكونوا أكثر من تراب أمام الريح.
- التواريخ: 1180-1185
- المقاتلون: عشيرة ميناموتو (والحلفاء) ضد قبيلة تايرا (والحلفاء)
- النتيجة: انتصار ميناموتو تم القضاء على عشيرة تايرا إلى حد كبير
- اليابانية: 源 平 合 戦 (جينبي كاسين)
حرب Genpei ، التي دارت رحاها بين عشيرتي Minamoto و Taira samurai في 1180-1185 ، تمثل نهاية حكم محكمة إمبراطورية يهيمن عليها Taira ، وتبعها بعد ذلك بوقت قصير إنشاء Kamakura shogunate على هذا النحو ، وهو يمثل سقوط تايرا وصعود ميناموتو ، ونهاية فترة هييان وبداية فترة كاماكورا ، والحدود بين الفترة الكلاسيكية لحكم الأرستقراطيين / المحكمة ، وفترة القرون الوسطى لحكم الساموراي.
تأخذ الحرب اسمها من على yomi أو قراءات "على الطراز الصيني" لأسماء العشيرتين - جينجي وهايك (أو هيشي) التي تعني "عشيرة ميناموتو" و "منزل تايرا" (أو "عشيرة تايرا") على التوالي.
تم إعادة سرد أحداث الحرب بشكل أكثر شهرة في الملحمة حكاية هايكه، والتي تم تناقلها كتقليد شفهي عن طريق رواة القصص الموسيقيين المتجولين لفترة قبل أن يتم تدوينها لأول مرة في عام 1371. العديد من مسرحيات نوه وكابوكي والعرائس ، بالإضافة إلى عدد لا يحصى من اللوحات والإبداعات الثقافية الأخرى تعتمد على هذه القصص ، التي نمت لتصبح أسطورة.
محتويات
تحرير الفن جومون
كان المستوطنون الأوائل لليابان هم شعب جومون (حوالي 10500 - 300 قبل الميلاد) ، [3] الذين سميوا بهذا الاسم نسبة إلى علامات الحبل التي زينت أسطح أوانيهم الفخارية ، وكانوا من البدو البدو الصيادين الذين مارسوا فيما بعد الزراعة المنظمة وبناء المدن يبلغ عدد سكانها المئات إن لم يكن الآلاف. قاموا ببناء منازل بسيطة من الخشب والقش في حفر ترابية ضحلة لتوفير الدفء من التربة. لقد صنعوا أواني تخزين فخارية مزينة ببذخ ، تسمى التماثيل الطينية الكلبū، والجواهر الكريستالية.
أوائل فترة جومون تحرير
خلال فترة جومون المبكرة (5000-2500 قبل الميلاد) ، [3] بدأ اكتشاف القرى وتم العثور على أشياء عادية يومية مثل الأواني الخزفية المخصصة لغلي الماء. كانت الأواني التي تم العثور عليها خلال هذا الوقت ذات قيعان مسطحة ولها تصميمات متقنة مصنوعة من مواد مثل الخيزران. بالإضافة إلى ذلك ، كان الاكتشاف المهم الآخر هو تماثيل Jōmon المبكرة التي ربما تم استخدامها كأشياء للخصوبة بسبب الثديين وتورم الوركين اللذين أظهروهما. [3]
تحرير فترة جومون الوسطى
فترة جومون الوسطى (2500-1500 قبل الميلاد) ، [3] تتناقض مع فترة جومون المبكرة من نواحٍ عديدة. أصبح هؤلاء الناس أقل بدوية وبدأوا في الاستقرار في القرى. لقد ابتكروا أدوات مفيدة كانت قادرة على معالجة الطعام الذي قاموا بجمعه وصيده مما جعل الحياة أسهل بالنسبة لهم. من خلال العديد من الخزفيات المبهجة من الناحية الجمالية التي تم العثور عليها خلال هذه الفترة الزمنية ، من الواضح أن هؤلاء الناس كان لديهم اقتصاد مستقر ووقت فراغ أكبر لإنشاء قطع جميلة. بالإضافة إلى ذلك ، اختلف أهل فترة جومون الوسطى عن أسلافهم السابقين لأنهم طوروا أوانيًا وفقًا لوظيفتهم ، على سبيل المثال ، كانوا يصنعون أوانيًا لتخزين الأشياء. [3] بدأت الزخارف على هذه الأواني تبدو أكثر واقعية مقارنة بخزف جومون المبكر. بشكل عام ، لم يزداد إنتاج الأعمال خلال هذه الفترة فحسب ، بل جعلها هؤلاء الأفراد أكثر زخرفية وطبيعية. [3]
تحرير الفترة المتأخرة والنهائية
خلال فترة جومون المتأخرة والنهائية (1500-300 قبل الميلاد) ، [3] بدأ الطقس في البرودة ، مما أجبرهم على الابتعاد عن الجبال. كان مصدر الغذاء الرئيسي خلال هذا الوقت هو الأسماك ، مما جعلهم يحسنون إمدادات وأدوات الصيد الخاصة بهم. كان هذا التقدم إنجازًا مهمًا للغاية خلال هذا الوقت. بالإضافة إلى ذلك ، ازداد عدد السفن بشكل كبير مما يمكن أن يستنتج أن كل منزل به تمثال خاص به معروض فيه. على الرغم من العثور على أواني مختلفة خلال فترة جومون المتأخرة والنهائية ، فقد تم العثور على هذه القطع تالفة مما قد يشير إلى أنهم استخدموها في الطقوس. بالإضافة إلى ذلك ، تم العثور على تماثيل صغيرة تتميز بأجسادها اللحمية ونظاراتها كالعيون. [3]
الكلبū ("الشكل الترابي") هي تماثيل صغيرة تشبه البشر والحيوانات صنعت خلال الجزء الأخير من فترة جومون. [4] تم صنعها في جميع أنحاء اليابان ، باستثناء أوكيناوا. [4] يفترض بعض العلماء أن كلب تصرفت كدمى للناس ، والتي أظهرت نوعًا من السحر الودي. [5] الكلبū مصنوعة من الطين وهي صغيرة ، عادة ما يتراوح ارتفاعها من 10 إلى 30 سم. [6] تبدو معظم التماثيل وكأنها أنثى ، ولها عيون كبيرة ، وخصر صغير ، وفخذان عريضان. [4] يعتبرهم الكثيرون ممثلين للآلهة. لدى الكثير منها بطون كبيرة مرتبطة بالحمل ، مما يشير إلى أن جومون اعتبرهم آلهة أم. [6]
تحرير الفن Yayoi
كانت الموجة التالية من المهاجرين هي شعب Yayoi ، الذي سمي على اسم المنطقة في طوكيو حيث تم العثور على بقايا مستوطناتهم لأول مرة. هؤلاء الأشخاص ، الذين وصلوا إلى اليابان حوالي 300 قبل الميلاد ، [7] جلبوا معرفتهم بزراعة أرز الأراضي الرطبة ، وتصنيع الأسلحة النحاسية والأجراس البرونزية (دوتاكو) ، والسيراميك المرمي على عجلات ، والسيراميك الذي يعمل بالفرن.
فترة Yayoi جرس dōtaku ، القرن الثالث الميلادي
مرآة برونزية محفورة في Tsubai-otsukayama kofun، Yamashiro، Kyoto
جرة قرمزية من فترة Yayoi
جرة تخزين Yayoi من 500 قبل الميلاد إلى 200 م
Kofun art تحرير
تمثل المرحلة الثالثة في عصور ما قبل التاريخ اليابانية ، فترة Kofun (حوالي 300 - 710 م) ، [3] تعديلًا لثقافة Yayoi ، يُعزى إما إلى التطور الداخلي أو القوة الخارجية. تتميز هذه الفترة بثقافة المقابر وغيرها من القطع الأثرية مثل المرايا البرونزية والتماثيل الطينية التي تسمى هانيوا التي أقيمت خارج هذه المقابر. طوال فترة Kofun ، تطورت خصائص هذه المقابر من مقابر أصغر أقيمت على قمم التلال والتلال إلى مقابر أكبر بكثير مبنية على أرض مستوية. [8] أكبر مقبرة في اليابان ، مقبرة الإمبراطور نينتوكو ، تضم 46 تلة دفن وهي على شكل ثقب المفتاح ، [9] وهي خاصية مميزة وجدت في مقابر كوفون اللاحقة. [8]
أسوكا ونارا تحرير الفن
خلال فترتي أسوكا ونارا ، سميت بهذا الاسم لأن مقر الحكومة اليابانية كان يقع في وادي أسوكا من 542 إلى 645 [3] وفي مدينة نارا حتى عام 784 ، حدث أول تدفق كبير للثقافة الآسيوية القارية في اليابان.
قدم انتقال البوذية الزخم الأولي للاتصالات بين الصين واليابان. أدرك اليابانيون جوانب الثقافة الصينية التي يمكن دمجها بشكل مربح في ثقافتهم: نظام لتحويل الأفكار والأصوات إلى كتابة نظريات التأريخ المعقدة للحكومة ، مثل البيروقراطية الفعالة ، والأهم بالنسبة للفنون ، التقنيات الجديدة ، البناء الجديد تقنيات ، طرق أكثر تقدمًا للصب بالبرونز ، وتقنيات ووسائط جديدة للرسم.
خلال القرنين السابع والثامن ، كان التركيز الرئيسي في الاتصالات بين اليابان والقارة الآسيوية هو تطوير البوذية. لا يتفق جميع العلماء على التواريخ المهمة والأسماء المناسبة للتطبيق على فترات زمنية مختلفة بين 552 ، التاريخ الرسمي لإدخال البوذية إلى اليابان ، و 784 ، عندما تم نقل العاصمة اليابانية من نارا. التعيينات الأكثر شيوعًا هي فترة Suiko ، 552-645 فترة Hakuhō ، 645-710 ، وفترة Tenpyō ، 710-784.
باغودا وكوندو في Hōryū-ji ، القرن الثامن
يرجع تاريخ أقدم المنحوتات اليابانية لبوذا إلى القرنين السادس والسابع. [10] وقد اشتقوا في نهاية المطاف من الفن اليوناني البوذي في غاندهارا في القرن الأول إلى القرن الثالث الميلادي ، والذي يتميز بأنماط اللباس المتدفقة والعرض الواقعي ، [11] والتي تم فرض السمات الفنية الصينية عليها. بعد أن تسلل الفن البوذي الصيني الشمالي وي إلى شبه الجزيرة الكورية ، تم جلب الرموز البوذية إلى اليابان من قبل مجموعات مهاجرة مختلفة. [12] على وجه الخصوص ، تم تكييف شكل مايتريا شبه جالس إلى أسلوب فني يوناني قديم متطور للغاية والذي تم نقله إلى اليابان كما يتضح من تماثيل كوريو-جي ميروكو بوساتسو وتشوجو جي سيدهارتا. [13] يصور العديد من المؤرخين كوريا على أنها مجرد ناقل للبوذية. [14] الممالك الثلاث ، ولا سيما بيكجي ، كان لها دور فعال في إدخال وتشكيل التقاليد البوذية في اليابان في عام 538 أو 552. [15] وهي توضح النقطة النهائية لنقل الفن على طريق الحرير خلال الفترة الأولى. قرون قليلة من عصرنا. يمكن العثور على أمثلة أخرى في تطوير الأيقونات اليابانية لإله الرياح Fūjin ، [16] وأوصياء Niō ، [17] والأنماط الزهرية شبه الكلاسيكية في زخارف المعابد. [18]
لا تزال أقدم الهياكل البوذية موجودة في اليابان ، كما تم العثور على أقدم المباني الخشبية في الشرق الأقصى في Hōryū-ji إلى الجنوب الغربي من نارا. تم تشييده لأول مرة في أوائل القرن السابع باعتباره المعبد الخاص لولي العهد شيتوكو ، ويتكون من 41 مبنى مستقل. أهمها قاعة العبادة الرئيسية ، أو كوندو (القاعة الذهبية) ، و Gojū-no-t (باغودة من خمسة طوابق) ، تقف في وسط منطقة مفتوحة محاطة بدير مسقوف. ال كوندو، على طراز قاعات العبادة الصينية ، عبارة عن هيكل من طابقين لبناء ما بعد وعوارض ، وتوجها irimoya، أو سقف جملوني من بلاط السيراميك.
داخل كوندوعلى منصة كبيرة مستطيلة الشكل ، تعتبر من أهم المنحوتات في تلك الفترة. الصورة المركزية هي شاكا ثالوث (623) ، تمثال بوذا التاريخي محاطًا بوديساتفا ، منحوتة من البرونز للنحات توري بوشي (ازدهرت في أوائل القرن السابع) تكريمًا للأمير المتوفى مؤخرًا شيتوكو. في الزوايا الأربع للمنصة يوجد ملوك الحراس من الاتجاهات الأربعة ، المنحوت في الخشب حوالي 650. يوجد أيضًا في Hōryū-ji هو Tamamushi Shrine ، نسخة خشبية طبق الأصل من كوندو، وهي مثبتة على قاعدة خشبية عالية مزينة برسومات تصويرية منفذة وسط أصباغ معدنية ممزوجة بالورنيش.
كان بناء المعبد في القرن الثامن يتركز حول Tōdai-ji في نارا. تم تشييد Tōdaiji كمقر لشبكة من المعابد في كل مقاطعة ، وهو المجمع الديني الأكثر طموحًا الذي تم تشييده في القرون الأولى للعبادة البوذية في اليابان. بشكل مناسب ، تمثال بوذا الذي يبلغ طوله 16.2 مترًا (53 قدمًا) (اكتمل 752) مكرسًا في قاعة بوذا الرئيسية ، أو ديبوتسودين، هو Rushana Buddha ، وهو الرقم الذي يمثل جوهر البوذية ، تمامًا كما مثل Tōdaiji مركزًا للبوذية برعاية إمبراطورية وانتشارها في جميع أنحاء اليابان. لم يتبق سوى عدد قليل من أجزاء التمثال الأصلي ، والقاعة الحالية وبوذا المركزي هي إعادة بناء من فترة إيدو.
تتجمع حول Daibutsuden على منحدر تل بلطف عدد من القاعات الثانوية: Hokke-d (قاعة لوتس سوترا) ، مع صورتها الرئيسية ، فوكوكينجاكو كانون (不 空 羂 索 観 音 立 像 ، بوديساتفا الأكثر شعبية) ، مصنوعة من ورنيش جاف (قماش مغمس بالورنيش ومشكل على حديد خشبي) كايدانين (戒壇 院 ، قاعة Ordination) مع تماثيلها الطينية الرائعة لملوك الحراس الأربعة والمخزن ، المسمى شوسين. هذا الهيكل الأخير له أهمية كبيرة باعتباره مخبأًا فنيًا وتاريخيًا ، لأنه يتم تخزين الأواني التي استخدمت في حفل تكريس المعبد عام 752 ، وطقوس فتح العين لصورة روشانا ، بالإضافة إلى الوثائق الحكومية والعديد من الوثائق العلمانية. الأشياء المملوكة للعائلة الإمبراطورية.
شوكين (أو تشوكين) ، فن النقش أو النحت المعدني ، يعتقد أنه بدأ في فترة نارا. [19] [20]
هييان الفن تحرير
في عام 794 ، تم نقل عاصمة اليابان رسميًا إلى Heian-kyō (كيوتو الحالية) ، حيث ظلت حتى عام 1868. المصطلح فترة هييان يشير إلى السنوات ما بين 794 و 1185 ، عندما تم تأسيس شوغون كاماكورا في نهاية حرب جينبي. تنقسم هذه الفترة أيضًا إلى أوائل Heian و أواخر Heian ، أو Fujiwara ، والتاريخ المحوري هو 894 ، وهو العام الذي توقفت فيه السفارات الإمبراطورية في الصين رسميًا.
الفن المبكر هييان: كرد فعل للثروة والقوة المتزايدة للبوذية المنظمة في نارا ، سافر الكاهن كوكاي (المعروف بلقبه بعد وفاته كوبو دايشي ، 774-835) إلى الصين لدراسة شينغون ، وهو شكل من أشكال فاجرايانا البوذية ، والذي أدخله إلى اليابان في 806. في صميم عبادة Shingon توجد الماندالا ، وهي مخططات للكون الروحي ، والتي بدأت بعد ذلك في التأثير على تصميم المعبد. تبنت العمارة البوذية اليابانية أيضًا ستوبا ، وهي في الأصل شكل معماري هندي ، في باغودا على الطراز الصيني.
تم بناء المعابد التي أقيمت لهذه الطائفة الجديدة في الجبال ، بعيدًا عن البلاط والعلمانيين في العاصمة. أجبرت التضاريس غير المنتظمة لهذه المواقع المهندسين المعماريين اليابانيين على إعادة التفكير في مشاكل بناء المعابد ، وبذلك اختاروا المزيد من عناصر التصميم الأصلية. حلت أسقف السرو-اللحاء محل بلاط السيراميك ، واستخدمت الألواح الخشبية بدلاً من الأرضيات الترابية ، وأضيفت منطقة عبادة منفصلة للعلمانيين أمام الحرم الرئيسي.
المعبد الذي يعكس روح معابد Heian Shingon المبكرة هو Murō-ji (أوائل القرن التاسع) ، والذي يقع في أعماق منصة من أشجار السرو على جبل جنوب شرق نارا. الصورة الخشبية (أيضًا في أوائل القرن التاسع) لبوذا شاكياموني ، "التاريخي" ، والموجودة في مبنى ثانوي في موريجي ، هي نموذجية لمنحوتات هييان المبكرة ، بجسمها الثقيل ، المغطى بطيات الأقمشة السميكة المنحوتة في هونبا شيكي (الموجة المتدحرجة) وتعبيرات وجهها المتقدة والمنسحبة.
فن فوجيوارا: في فترة فوجيوارا ، أصبحت بوذية الأرض النقية ، التي قدمت الخلاص السهل من خلال الإيمان بأميدا (بوذا الجنة الغربية) ، شائعة. سميت هذه الفترة على اسم عائلة فوجيوارا ، التي كانت آنذاك الأقوى في البلاد ، والتي حكمت كوصي للإمبراطور ، لتصبح في الواقع ديكتاتوريين مدنيين. في الوقت نفسه ، طور نبل كيوتو مجتمعًا مكرسًا للمهام الجمالية الأنيقة. كان عالمهم آمنًا وجميلًا لدرجة أنهم لم يستطيعوا تصور الجنة على أنها مختلفة كثيرًا. لقد أنشأوا شكلاً جديدًا لقاعة بوذا ، قاعة أميدا ، التي تمزج بين العلماني والديني ، وتضم صورة أو أكثر من صور بوذا داخل هيكل يشبه قصور النبلاء.
ال Hō-ō-dō (Phoenix Hall ، اكتمل 1053) من Byōdō-in ، وهو معبد في Uji إلى الجنوب الشرقي من كيوتو ، هو نموذج لقاعات Fujiwara Amida. يتكون من هيكل مستطيل رئيسي محاط بممرين جناحين على شكل حرف L وممر ذيل على حافة بركة اصطناعية كبيرة. في الداخل ، صورة ذهبية واحدة لأميدا (حوالي 1053) مثبتة على منصة عالية. تم تنفيذ منحوتة أميدا من قبل Jōchō ، الذي استخدم شريعة جديدة من النسب وتقنية جديدة (يوسجي) ، حيث يتم نحت عدة قطع من الخشب مثل الأصداف وربطها من الداخل. طُبقت على جدران القاعة منحوتات صغيرة بارزة للكواكب ، يعتقد المضيف أنها رافق أميدا عندما نزل من الجنة الغربية لجمع أرواح المؤمنين لحظة الموت ونقلهم بأزهار اللوتس إلى الجنة. رايغو اللوحات على الأبواب الخشبية لـ Hō-ō-dō ، والتي تصور نزول Amida Buddha ، هي مثال مبكر ل Yamato-e ، الرسم على الطراز الياباني ، وتحتوي على تمثيلات للمناظر حول كيوتو.
E- ماكي: في القرن الأخير من فترة هييان ، تم استخدام لفافة السرد السردية المصورة الأفقية ، والمعروفة باسم إي ماكي (絵 巻 ، مضاءة "تمرير الصورة") ، ظهرت في المقدمة. يرجع تاريخه إلى حوالي عام 1130 م جينجي مونوجاتاري إيماكي، المصور الشهير حكاية جينجي يمثل أقدم لفافة يد ياماتو-إي باقية ، وأحد أعلى النقاط في الرسم الياباني. كتبت حول عام 1000 من قبل موراساكي شيكيبو ، سيدة في انتظار الإمبراطورة شوشي ، تتناول الرواية حياة جينجي وعشقها وعالم بلاط هييان بعد وفاته. فنانو القرن الثاني عشر من إي ماكي نسخة ابتكرت نظامًا من الاتفاقيات التصويرية التي تنقل بصريًا المحتوى العاطفي لكل مشهد. في النصف الثاني من القرن ، انتشر أسلوب مختلف وأكثر حيوية للتوضيح السردي المستمر. ال بان دايناجون إيكوتوبا (أواخر القرن الثاني عشر) ، وهي لفيفة تتعامل مع مؤامرة في المحكمة ، تؤكد على الشخصيات في حركة نشطة مصورة بضربات فرشاة سريعة التنفيذ وألوان رفيعة ولكنها نابضة بالحياة.
E- ماكي أيضًا بمثابة بعض من أقدم وأكبر الأمثلة على أوتوكو إي ("صور الرجال") و أونا إي ("صور نسائية") أنماط الرسم. هناك العديد من الاختلافات الدقيقة في الأسلوبين ، مما يجذب التفضيلات الجمالية لكلا الجنسين. ولكن ربما تكون الاختلافات في الموضوع هي الأكثر وضوحًا. أونا إي، التي لخصتها حكاية غينجي اليدوية ، تتعامل عادة مع حياة المحكمة ، وخاصة سيدات البلاط ، والمواضيع الرومانسية. أوتوكو إي غالبًا ما يتم تسجيل الأحداث التاريخية ، ولا سيما المعارك. يعد حصار قصر سانجو (1160) ، الذي تم تصويره في قسم "الهجوم الليلي على قصر سانجو" من شريط Heiji Monogatari ، مثالًا مشهورًا على هذا الأسلوب.
كاماكورا فن تحرير
في عام 1180 ، اندلعت حرب بين أقوى عشيرتين محاربين: تايرا وميناموتو بعد خمس سنوات ، انتصر ميناموتو وأسس مقرًا فعليًا للحكومة في قرية كاماكورا الساحلية ، حيث بقي حتى عام 1333. مع ال تحول السلطة من طبقة النبلاء إلى طبقة المحاربين ، كان على الفنون إرضاء جمهور جديد: الرجال المكرسون لمهارات الحرب ، والكهنة الملتزمين بجعل البوذية متاحة للعامة الأميين ، والمحافظين ، والنبلاء وبعض أعضاء الكهنوت الذين تأسف لانخفاض سلطة المحكمة. وهكذا ، فإن الواقعية والاتجاه العام والإحياء الكلاسيكي يميزان فن فترة كاماكورا. في فترة كاماكورا ، ظلت كيوتو ونارا مركزين للإنتاج الفني والثقافة العالية.
النحت: ابتكرت مدرسة Kei للنحاتين ، وخاصة Unkei ، أسلوبًا جديدًا أكثر واقعية للنحت. توضح صورتا Ni guardian (1203) في البوابة الجنوبية الكبرى لـ Tōdai-ji في Nara أسلوب Unkei الديناميكي فوق الواقعي. تم نحت الصور ، التي يبلغ ارتفاعها حوالي 8 أمتار (حوالي 26 قدمًا) ، من كتل متعددة في فترة حوالي ثلاثة أشهر ، وهو إنجاز يدل على نظام استوديو متطور للحرفيين الذين يعملون تحت إشراف نحات رئيسي. منحوتات Unkei الخشبية متعددة الألوان (1208 ، Kōfuku-ji ، Nara) لاثنين من الحكماء الهنود ، Muchaku و Seshin ، المؤسسين الأسطوريين لطائفة Hossō ، هي من بين أكثر الأعمال الواقعية إنجازًا في تلك الفترة كما قدمها Unkei ، فهي فردية بشكل ملحوظ و صور قابلة للتصديق. من أشهر الأعمال في هذه الفترة ثالوث أميتابها (اكتمل في 1195) ، في جودو جي في أونو ، أنشأه كايكي ، خليفة أونكي.
الخط والرسم: ال كيجون إنجي إيماكي، التاريخ المصور لتأسيس طائفة كيغون ، هو مثال ممتاز على الاتجاه الشائع في لوحة كاماكورا. وقعت طائفة كيغون ، وهي واحدة من أهم الطوائف في عصر نارا ، في أوقات عصيبة أثناء صعود طوائف الأرض النقية. بعد حرب Genpei (1180-1185) ، سعى الكاهن Myōe من Kōzan-ji إلى إحياء الطائفة وأيضًا توفير ملجأ للنساء الأرامل بسبب الحرب. تم إحباط زوجات الساموراي من تعلم أكثر من نظام مقطعي لنسخ الأصوات والأفكار (انظر كانا) ، وكان معظمهم غير قادرين على قراءة النصوص التي تستخدم الأيدوجراف الصينية (كانجي).
وهكذا ، فإن كيجون إنجي إيماكي يجمع بين مقاطع نصية ، مكتوبة بأقصى عدد ممكن من المقاطع التي يمكن قراءتها بسهولة ، والرسوم التوضيحية التي تحتوي على حوار بين الشخصيات المكتوبة بجانب مكبرات الصوت ، وهي تقنية يمكن مقارنتها بالرسوم الهزلية المعاصرة. مؤامرة إي ماكي، حياة الكاهنين الكوريين اللذين أسسا طائفة كيغون ، تسير بخطى سريعة ومليئة بالمآثر الرائعة مثل رحلة إلى قصر ملك المحيط ، وقصة أم مؤثرة. [ التوضيح المطلوب ]
العمل في سياق أكثر تحفظًا هو النسخة المصورة من مذكرات موراساكي شيكيبو. E- ماكي استمر إنتاج نسخ من روايتها ، لكن النبلاء ، الذين انسجموا مع الاهتمام الجديد بالواقعية والحنين إلى الأيام الماضية للثروة والسلطة ، أعادوا إحياء المذكرات ورسموها من أجل استعادة روعة أوقات المؤلف. يوضح أحد أجمل المقاطع الحلقة التي احتُجزت فيها موراساكي شيكيبو بشكل هزلي في غرفتها من قبل اثنين من رجال الحاشية الصغار ، بينما ، في الخارج ، يضيء ضوء القمر على الضفاف المطحونة لنهر في الحديقة الإمبراطورية.
تحرير الفن Muromachi
خلال فترة موروماتشي (1338-1573) ، والتي تسمى أيضًا فترة أشيكاغا ، حدث تغيير عميق في الثقافة اليابانية. سيطرت عشيرة أشيكاغا على الشوغون ونقل مقرها إلى كيوتو ، إلى منطقة موروماتشي في المدينة. مع عودة الحكومة إلى العاصمة ، انتهت اتجاهات الترويج لفترة كاماكورا ، واتخذ التعبير الثقافي طابعًا أكثر أرستقراطية ونخبوية. زن البوذية ، طائفة تشان التي يُعتقد تقليديًا أنها تأسست في الصين في القرن السادس ، تم تقديمها للمرة الثانية إلى اليابان وترسخت.
تلوين: بسبب المشاريع العلمانية والبعثات التجارية إلى الصين التي نظمتها معابد زن ، تم استيراد العديد من اللوحات والأشياء الفنية الصينية إلى اليابان وأثرت بشدة على الفنانين اليابانيين الذين يعملون في معابد زن والشوغن. لم تغير هذه الواردات موضوع الرسم فحسب ، بل قامت أيضًا بتعديل استخدام الألوان الزاهية من ألوان Yamato-e التي تم الحصول عليها من الألوان أحادية اللون للرسم بالطريقة الصينية ، حيث تحتوي اللوحات عمومًا فقط على الأسود والأبيض أو نغمات مختلفة من لون واحد.
نموذج من لوحات Muromachi المبكرة هو تصوير الكاهن الرسام Kao (نشط في أوائل القرن الخامس عشر) للراهب الأسطوري Kensu (Hsien-tzu باللغة الصينية) في اللحظة التي حقق فيها التنوير. تم تنفيذ هذا النوع من الطلاء بضربات فرشاة سريعة وبأقل قدر من التفاصيل. اصطياد سمك السلور مع القرع (أوائل القرن الخامس عشر ، Taizō-in ، Myōshin-ji ، كيوتو) ، بواسطة الكاهن الرسام Josetsu (نشط حوالي 1400) ، يمثل نقطة تحول في لوحة Muromachi. تم تنفيذه في الأصل لشاشة منخفضة ، وقد أعيد ترقيمه على شكل لفيفة معلقة مع نقوش بأشكال معاصرة أعلاه ، يشير إحداها إلى اللوحة على أنها في "النمط الجديد". في المقدمة ، يظهر رجل على ضفة مجرى مائي يحمل يقطينة صغيرة وينظر إلى سمكة قرموط كبيرة. يملأ الضباب الأرض الوسطى ، وتبدو الجبال الخلفية بعيدة في المسافة. يُفترض عمومًا أن "النمط الجديد" للوحة ، المنفذ حوالي عام 1413 ، يشير إلى إحساس صيني أكثر بالمساحة العميقة داخل مستوى الصورة.
أهم الفنانين في فترة موروماتشي هم الرسامون الكاهن شوبون وسيشو. Shūbun ، راهب في معبد كيوتو Shōkoku-ji ، تم إنشاؤه في اللوحة القراءة في بستان بامبو (1446) مشهد واقعي مع ركود عميق في الفضاء. كان Sesshū ، على عكس معظم الفنانين في تلك الفترة ، قادرًا على السفر إلى الصين ودراسة الرسم الصيني من مصدره. منظر طبيعي للفصول الأربعة (سانسوي تشوكان ج. 1486) هو أحد أكثر أعمال Sesshu إنجازًا ، حيث يصور منظرًا طبيعيًا مستمرًا خلال الفصول الأربعة.
تحرير الفن Azuchi-Momoyama
في فترة أزوتشي-موموياما (1573-1603) ، حاولت سلسلة من القادة العسكريين ، مثل أودا نوبوناغا ، وتويوتومي هيديوشي ، وتوكوغاوا إياسو ، إحلال السلام والاستقرار السياسي في اليابان بعد حقبة استمرت قرابة 100 عام من الحرب. حصل أودا ، وهو زعيم صغير ، على السلطة الكافية للسيطرة الفعلية على الحكومة في عام 1568 ، وبعد خمس سنوات ، للإطاحة بآخر أشيكاغا شوغون. تولى هيديوشي القيادة بعد وفاة أودا ، لكن خططه لتأسيس حكم وراثي أحبطها إياسو ، الذي أسس توكوغاوا شوغونيت في عام 1603.
تلوين: كانت أهم مدرسة للرسم في فترة موموياما هي مدرسة كانو ، وكان أعظم ابتكار في تلك الفترة هو الصيغة التي طورها Kanō Eitoku لإنشاء مناظر طبيعية ضخمة على الأبواب المنزلقة التي تحتوي على غرفة. ربما تكون زخرفة الغرفة الرئيسية المواجهة لحديقة Jukō-in ، وهي جزء فرعي من Daitoku-ji (معبد Zen في كيوتو) ، هي أفضل مثال موجود على أعمال Eitoku. ضخم ume تُصوَّر الأشجار وأشجار الصنوبر المزدوجة على أزواج من الشاشات المنزلقة في زوايا متقابلة قطريًا ، وجذوعها تكرر الأعمدة الرأسية لأعمدة الزاوية وتمتد فروعها إلى اليسار واليمين ، وتوحد الألواح المجاورة. شاشة Eitoku ، الأسود الصينية، أيضًا في كيوتو ، يكشف عن أسلوب الرسم الجريء ذو الألوان الزاهية الذي يفضله الساموراي.
طور Hasegawa Tōhaku ، المعاصر لـ Eitoku ، أسلوبًا مختلفًا إلى حد ما وأكثر زخرفية للوحات الشاشة الكبيرة. في شاشة القيقب (楓 図) ، الآن في معبد Chishaku-in (ja: 智 積 院) ، كيوتو ، وضع جذع الشجرة في الوسط ومدد أطرافه تقريبًا إلى حافة التكوين ، مما خلق مظهرًا معماريًا أقل تملقًا من Eitoku ، لكنها لوحة رائعة بصريًا. شاشته ذات الستة أضعاف ، خشب الصنوبر (松林 図) ، هو تجسيد متقن للحبر أحادي اللون لبستان من الأشجار يلفها الضباب.
فن فترة إيدو تحرير
اكتسب شوغون توكوغاوا سيطرة بلا منازع على الحكومة في عام 1603 مع الالتزام بإحلال السلام والاستقرار الاقتصادي والسياسي للبلاد إلى حد كبير. نجت الشوغونية حتى عام 1867 ، عندما أُجبرت على الاستسلام بسبب فشلها في التعامل مع ضغوط الدول الغربية لفتح البلاد أمام التجارة الخارجية. كانت إحدى الموضوعات المهيمنة في فترة إيدو هي السياسات القمعية للشوغونية ومحاولات الفنانين الهروب من هذه القيود. كان أهمها إغلاق البلاد أمام الأجانب ومزايا ثقافاتهم ، وفرض قواعد سلوك صارمة تؤثر على كل جانب من جوانب الحياة ، والملابس التي يرتديها المرء ، والشخص الذي يتزوج ، والأنشطة التي يمكن أو يجب على المرء أن يرتديها. لا تطارد.
ومع ذلك ، في السنوات الأولى من فترة إيدو ، لم يكن التأثير الكامل لسياسات توكوغاوا محسوسًا بعد ، وتم إنتاج بعض أرقى تعبيرات اليابان في الهندسة المعمارية والرسم: قصر كاتسورا في كيوتو ولوحات تاواريا ساتسو ، رائد مدرسة رينبا.
الطباعة الخشبية: استخدمت المطبوعات الخشبية في الأصل لترجمة الكتب البوذية المقدسة في القرن الثامن في اليابان. تتكون الطباعة الخشبية من نقش الصور أو الصور على قطعة من الخشب ، ثم يتم ضغطها على قطعة من الورق. في القرن الثامن ، اعتبرت القوالب الخشبية طريقة ملائمة لاستنساخ النص المطبوع إلى أن سمحت ابتكارات أخرى بترجمة الألوان على الورق أو المعروفة باسم مطبوعات نيشيك إي. كانت الطباعة على القوالب الخشبية هي الطريقة الشائعة للطباعة من القرن الحادي عشر حتى القرن التاسع عشر. أنتجت مطبوعات نيشيكي إي سلعًا مثل التقويمات التي كانت تُباع عادةً لأثرياء المجتمع خلال فترة إيدو. في فترة إيدو ، كانت هذه المطبوعات تصور أحداثًا ومشاهدًا لممثلين بارزين. ثم ارتبط أوكييو بطباعة القوالب الخشبية في أوائل فترة إيدو. صورت لوحات أوكييو الحياة اليومية لأعضاء بارزين في المجتمع. بدأ أوكييو لأول مرة عندما تصور مخطوطات منحوتة يدويًا الحياة كعامة عادية.
هندسة معمارية: يحتوي قصر كاتسورا المنفصل ، الذي تم بناؤه على طراز تقليد لقصر جينجي ، على مجموعة من المباني الضيقة التي تجمع بين عناصر العمارة اليابانية الكلاسيكية مع إعادة صياغة مبتكرة. المجمع بأكمله محاط بحديقة جميلة مع ممرات للمشي. كثير من الأقوياء ديمي (اللوردات الإقطاعيون) قاموا ببناء حديقة يابانية على طراز الدائرة في إقليم البلاد ، وتنافسوا على الجمال.
تلوين: طور Sōtatsu أسلوبًا زخرفيًا رائعًا من خلال إعادة إنشاء موضوعات من الأدب الكلاسيكي ، باستخدام أشكال وزخارف ملونة ببراعة من العالم الطبيعي على خلفيات أوراق الذهب. أحد أفضل أعماله هو زوج من الشاشات موجات ماتسوشيما في معرض فرير في واشنطن العاصمة بعد قرن من الزمان ، أعاد كورين صياغة أسلوب Sōtatsu وابتكر أعمالًا رائعة بصريًا بشكل فريد. ولعل أفضل ما لديه هي لوحات الشاشة أزهار البرقوق الأحمر والأبيض.
النحت: نحت الراهب البوذي إنكو 120 ألف صورة بوذية بأسلوب فردي خشن.
أوكييو-إي ونانجا (بونجينغا): المدرسة الفنية الأكثر شهرة في الغرب هي مدرسة لوحات أوكييو-إي والمطبوعات الخشبية للديموند ، وعالم مسرح الكابوكي ومناطق المتعة. بدأ إنتاج مطبوعات Ukiyo-e في أواخر القرن السابع عشر في عام 1765 أنتج Harunobu أول طباعة متعددة الألوان. ابتكر مصممو الطباعة من الجيل التالي ، بما في ذلك Torii Kiyonaga و Utamaro ، صورًا أنيقة وأحيانًا ثاقبة للمحظيات.
في القرن التاسع عشر ، كانت الشخصيات المهيمنة هي Hokusai و Hiroshige ، وكان الأخير مبتكرًا لمطبوعات المناظر الطبيعية الرومانسية والعاطفية إلى حد ما. كان للزوايا والأشكال الغريبة التي غالبًا ما ينظر بها هيروشيغي إلى المناظر الطبيعية ، وأعمال كيوناجا وأوتامارو ، بتركيزها على الطائرات المسطحة والخطوط العريضة الخطية القوية ، تأثير عميق على الفنانين الغربيين مثل إدغار ديغا وفنسنت فان جوخ. من خلال الأعمال الفنية التي أقيمت في المتاحف الغربية ، كان لهؤلاء المطابعين تأثيرًا قويًا في وقت لاحق على الصور والأساليب الجمالية التي استخدمها شعراء الحداثة الأوائل مثل عزرا باوند وريتشارد ألدنجتون وإتش دي. [21]
كانت مدرسة الرسم المعاصرة للأوكييو إي هي نانجا ، أو بونجينغا ، وهو أسلوب يعتمد على اللوحات التي رسمها رسامون صينيون. مثلما اختار فنانون الأوكييو-إي تصوير شخصيات من الحياة خارج قيود توكوغاوا شوغونيت ، تحول فنانو بونجين إلى الثقافة الصينية. ومن الأمثلة على هذا الأسلوب: Ike no Taiga و Yosa Buson و Tanomura Chikuden و Yamamoto Baiitsu (ja: 山 本 梅 逸).
Traditional, mostly stoneware, styles continued in many parts of Japan, but Japanese ceramics were transformed around the start of the Edo period, by a large influx of Korean potters, captured or persuaded to emigrate in the course of the Japanese invasions of Korea in the 1590s. Many of these were settled on the southern island of Kyushu, and they brought with them experience of versions of the Chinese-style chambered climbing kiln, called noborigama in Japan, which allowed high temperatures with more precise control. By around 1620 they had discovered deposits of kaolinite, and started to make porcelain for the first time in Japan. The early wares (called "Early Imari") were relatively small and imitated the Chinese underglaze blue and white porcelain, which Japan had been importing for some time. [22]
The porcelain industry greatly expanded in the late 1650s, as the collapse of the Chinese industry from civil war led to very large orders from the Chinese traders and the Dutch East India Company, by then the traders only permitted to do business in Japan. The first great period of Japanese export porcelain lasted until about the 1740s, and the great bulk of Japanese porcelain was made for export, mostly to Europe, but also the Islamic world to the west and south of Japan. [23]
Ko-Kutani (old Kutani) five colours Iroe type sake ewer with bird and flower design in overglaze enamel, Edo period, 17th century
With the development of economy and culture, the artistic quality of lacquered furniture has improved. Hon'ami Kōetsu and Ogata Kōrin brought the designs of the Rinpa school of painting into lacquerware. After the middle of the Edo period, inrō for portable medicine containers began to be decorated gorgeously with maki-e and raden, and it became popular among samurai class and wealthy merchants in the chōnin class, and at the end of the Edo period, it changed from practical accessories to art collections. [24] [25] The export of lacquerware continued following the Azuchi-Momoyama period. Marie Antoinette and Maria Theresa are known as collectors of Japanese lacquerware in this period. [2]
Inro و Netsuke, 18th century
Art of the Prewar period Edit
When the Emperor of Japan regained ruling power in 1868, Japan was once again invaded by new and alien forms of culture. During the Prewar period, The introduction of Western cultural values led to a dichotomy in Japanese art, as well as in nearly every other aspect of culture, between traditional values and attempts to duplicate and assimilate a variety of clashing new ideas. This split remained evident in the late 20th century, although much synthesis had by then already occurred, and created an international cultural atmosphere and stimulated contemporary Japanese arts toward ever more innovative forms.
The government took an active interest in the art export market, promoting Japanese arts at a succession of world's fairs, beginning with the 1873 Vienna World's Fair. [26] [27] As well as heavily funding the fairs, the government took an active role organising how Japan's culture was presented to the world. It created a semi-public company — the Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) — to promote and commercialize exports of art [28] and established the Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) to maintain quality standards. [27] For the 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia, the Japanese government created a Centennial Office and sent a special envoy to secure space for the 30,000 items that would be displayed. [29] The Imperial Household also took an active interest in arts and crafts, commissioning works ("presentation wares") as gifts for foreign dignitaries. [30] In 1890, the Teishitsu Gigeiin (Artist to the Imperial Household) system was created to recognise distinguished artists seventy were appointed from 1890 to 1944. [31] Among these were the painter and lacquer artist Shibata Zeshin, ceramicist Makuzu Kōzan, painter Hashimoto Gahō, and cloisonné enamel artist Namikawa Yasuyuki. [31]
As Western imports became popular, demand for Japanese art declined within Japan itself. [32] In Europe and America, the new availability of Japanese art led to a fascination for Japanese culture a craze known in Europe as Japonisme. [33] Imperial patronage, government sponsorship, promotion to new audiences, and Western technology combined to foster an era of Japanese artistic innovation. In the decorative arts, Japanese artists reached new levels of technical sophistication. [28]
Today, Masayuki Murata owns more than 10,000 Meiji art works and is one of the most enthusiastic collectors. From that time, most of the excellent works of Meiji Art were bought by foreign collectors and only a few of them remained in Japan, but because he bought back many works from foreign countries and opened the Kiyomizu Sannenzaka Museum, [34] the study and reevaluation of Meiji Art rapidly advanced in Japan after the 21st century. [35] Nasser Khalili is also one of the world's most dedicated collectors of Meiji art, and his collection encompasses many categories of Meiji art. The Japanese Imperial Family also owns excellent works of Meiji Art, some of which were donated to the state and are now stored in the Museum of the Imperial Collections.
Architecture and Garden Edit
By the early 20th century, European art forms were well introduced and their marriage produced notable buildings like the Tokyo Train Station and the National Diet Building that still exist today. Tokyo Station, a building of Giyōfū architecture, full of bricks and pseudo-European style. This style of building was built in urban areas.
Many artistic new Japanese gardens were built by Jihei Ogawa.
Painting Edit
The first response of the Japanese to Western art forms was open-hearted acceptance, and in 1876 the Technological Art School(ja:工部美術学校) was opened, employing Italian instructors to teach Western methods. The second response was a pendulum swing in the opposite direction spearheaded by Okakura Kakuzō and the American Ernest Fenollosa, who encouraged Japanese artists to retain traditional themes and techniques while creating works more in keeping with contemporary taste. This was a strategy that eventually served to extend the influence of Japanese art as far as Calcutta, London, and Boston in the years leading up to World War I. [36] Out of these two poles of artistic theory—derived from Europe and from East Asia respectively—developed yōga ("Western-style painting") and Nihonga ("Japanese painting"), categories that have maintained currency.
Enamels Edit
During the Meiji era, Japanese cloisonné enamel reached a technical peak, producing items more advanced than any that had existed before. [37] The period from 1890 to 1910 was known as the "Golden age" of Japanese enamels. [38] Artists experimented with pastes and with the firing process to produce ever larger blocks of enamel, with less need for cloisons (enclosing metal strips). [37] Thus enamels became a more pictorial medium, with designs similar to, or copied from, traditional paintings. [39] Enamels with a design unique to Japan, in which flowers, birds and insects were used as themes, became popular. In particular, the works of Namikawa Yasuyuki and Namikawa Sōsuke were exhibited at world's fairs and won many awards. [40] [41] [42] [43] Along with the two Namikawa, the Ando Cloisonné Company has produced many high-quality cloisonne. Japanese enamels were regarded as unequalled thanks to the new achievements in design and colouring. [44]
Lacquerware Edit
The Meiji era saw a renewed interest in lacquer as artists developed new designs and experimented with new textures and finishes. [45] Maki-e (decorating the lacquer in gold or silver dust) was the most common technique for quality lacquerware in this period. [46] Shibata Zeshin was a lacquerer who gained a high reputation for his works from the Bakumatsu to the Meiji period. Lacquerware called Shibayama و Somada, created in the Edo period, became popular for its showy style, inlaid with gold, silver, shellfish, ivory, and colorful metal and glass, and reached its peak during this period. [47] Lacquer from Japanese workshops was recognised as technically superior to what could be produced anywhere else in the world. [48]
Metalwork Edit
At the start of the Meiji era, Japanese metalwork was almost totally unknown outside the country, unlike lacquer and porcelain which had previously been exported. [49] Metalwork was connected to Buddhist practice, for example in the use of bronze for temple bells and incense cauldrons, so there were fewer opportunities for metalworkers once Buddhism was displaced as the state religion. [49] International exhibitions brought Japanese cast bronze to a new foreign audience, attracting strong praise. [49] The past history of samurai weaponry equipped Japanese metalworkers to create metallic finishes in a wide range of colours. By combining and finishing copper, silver and gold in different proportions, they created specialised alloys including shakudō and shibuichi. With this variety of alloys and finishes, an artist could give the impression of full-colour decoration. [50]
Ivory carving Edit
In the Meiji period, Japanese clothes began to be westernized and the number of people who wore kimono decreased, so the craftsmen who made netsuke و kiseru with ivory and wood lost their demand. Therefore, they tried to create a new field, ivory sculptures for interior decoration, and many elaborate works were exported to foreign countries or purchased by the Imperial Family. In particular, the works of Ishikawa Komei and Asahi Gyokuzan won praise in Japan. [51]
Porcelain and Earthenware Edit
Technical and artistic innovations of the Meiji era turned porcelain into one of the most internationally successful Japanese decorative art forms. [52] Satsuma ware was a name originally given to pottery from Satsuma province, elaborately decorated with gilt and enamel. These wares were highly praised in the West. Seen in the West as distinctively Japanese, this style actually owed a lot to imported pigments and Western influences, and had been created with export in mind. [53] Workshops in many cities raced to produce this style to satisfy demand from Europe and America, often producing quickly and cheaply. So the term "Satsuma ware" came to be associated not with a place of origin but with lower-quality ware created purely for export. [54] Despite this, artists such as Yabu Meizan and Makuzu Kōzan maintained the highest artistic standards while also successfully exporting. [55] From 1876 to 1913, Kōzan won prizes at 51 exhibitions, including the World's fair and the National Industrial Exhibition. [56]
Textiles Edit
The 1902 edition of Encyclopædia Britannica wrote, "In no branch of applied art does the decorative genius of Japan show more attractive results than that of textile fabrics, and in none has there been more conspicuous progress during recent years." [57] Very large, colourful pictorial works were being produced in Kyoto. Embroidery had become an art form in its own right, adopting a range of pictorial techniques such as chiaroscuro and aerial perspective. [57]
Art of the Postwar period Edit
Immediately following Japan's defeat in World War II in 1945, large numbers of Japanese artists fell under the influence of, or even joined, the Japan Communist Party, which had just been legalized by the U.S.-led military occupation of Japan after many years of suppression by the prewar and wartime Japanese police. [58] This had to do with the success of the Communist Party had in peddling the notion in the early postwar years that the party had been the only group in Japan to have resisted wartime militarism. [59] In addition, the Japanese word for "vanguard" (前衛, zen'ei), as in "vanguard of the communist revolution," happens to be the same word used for "avant-garde" as in the artistic avant-garde. [60] The Japan Communist Party soon came to dominate the major art societies and exhibitions in Japan, and thus the predominant form of art in the immediate aftermath of the war was socialist realism that depicted the suffering of the poor and the nobility of the working class, in line with Communist Party doctrine that all art should serve the purpose of advancing the cause of revolution. [59] In 1952, the Communist Party even ordered artists such as Hiroshi Katsuragawa and other members of the newly formed Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) out into the mountains to produce socialist realist art in support of "mountain guerrilla squads" that were attempting to foment a violent revolution in Japan. [61]
The 1950s: Struggling to break free of socialist realism Edit
Over the course of the 1950s, many Japanese artists became increasingly disillusioned with the rigid and limited definition of "art" enforced by the Communist Party. [62] However, due to the ongoing preeminence of Communist Party members and supporters in the senior ranks of artistic societies and exhibition juries, artists found it extremely difficult to even show their art unless they conformed to the Party's guidelines. [63] Some artists shied away from formal public exhibitions. Others sought recognition, financial support, and opportunities to show their art overseas, such as the Gutai group of conceptual artists, founded in 1954. Still other artists made use of the few unjuried, "independent" exhibitions in Japan, such as the Yomiuri Independent Exhibition sponsored by the Yomiuri Shinbun, which anyone could enter. [64]
A final straw came with the massive 1960 Anpo Protests against the U.S.-Japan Security Treaty (known as "Anpo" in Japanese"), due to the extremely passive role played by the supposedly "vanguard" Communist Party. When the protests failed to stop the treaty, a round of recriminations led to further disillusionment with the Communist Party and socialist realist art, causing many more artists to break away from the Party's influence. [65]
The 1960s: An explosion of new genres Edit
With the dominance of socialist realism fading, the 1960s witnessed an explosion of new art forms in Japan, as the arts expanded in new directions that might best be termed "postmodern." [66] Artist collectives such as Neo-Dada Organizers, Zero Dimension, and Hi-Red Center explored concepts such as "non-art" and "anti-art," and conducted a variety of audacious "events," "happenings," and other forms of performance art designed to erode the boundaries between art and daily life. The Mono-ha group similarly pushed the boundaries dividing art, space, landscape, and the environment. Other artists, such as graphic designer Tadanori Yokoo, drew inspiration from 1960s counterculture and the explosion of new forms of adult-oriented manga comics. In the performing arts, Tatsumi Hijikata pioneered a new form of postmodern dance called Butoh, and playwrights such as Jūrō Kara and Satō Makoto created the Angura style of radical "underground" theater. [67] And in photography, photographers such as Daidō Moriyama pioneered an extremely influential new school of postwar photography that emphasized spontaneity over carefully staged composition and celebrated the characteristics "are, bure, bokeh" (literally "rough, blurred, out-of-focus"). [68] [69]
The proliferation of new types of art was supported by the tremendous growth of Japan's economy in the 1960s, remembered as the "Japanese economic miracle." Over the course of the 1960s, the Japanese economy grew by over 10% per year. Rising wealth created a new class of consumers who could afford to spend money on art and support different types of art and artists. For the first time in Japan's modern history, it became viable for significant numbers of artists to make a living purely through selling their art. The 1960s construction boom in Japan, which leveled the old wood-and-paper traditional Japanese architecture and replaced it with sparkling mega-cities of glass and steel, helped inspire brand new schools of Japanese architecture, such as the Metabolism (architecture) movement led by Kenzō Tange, that boldly broke free from conventional models and proved influential around the world.
At the same time, however, the art world remained dominated by cliques that promoted the works of certain (usually male) artists over others. As it became much easier for Japanese to travel overseas in the 1960s, some female artists such as Yayoi Kusama and Yoko Ono found better reception overseas, and decamped for artistic centers such as London, Paris, and New York, as did many male artists as well.
The triumph of the new forms of Japanese art was cemented at the 1970 Osaka World's Fair, where dozens of avant-garde and conceptual artists were hired to design pavilions and artistic experiences for fair-goers. [70] Japanese avant-garde art had gone global, and had become something even the conservative government was proud to display to the world.
The 1970s and 1980s: Riding the economic bubble Edit
The 1970s and 1980s saw Japanese art continue in many of the directions begun in the 1950s and 1960s, but often with much bigger budgets and more expensive materials. As Japan's economy kept rapidly expanding, and eventually grew into one of the largest economic bubbles in history. With Japanese currency becoming incredibly strong in the wake of the 1985 Plaza Accord, Japanese individuals and institutions became major players in the international art market. Extraordinarily wealthy Japanese mega-corporations began constructing their own private art museums and acquiring collections of modern and contemporary art, and Japanese artists greatly benefited from these expenditures as well.
In particular, artistic production continued to trend away from traditional painting and sculpture in the direction of graphic design, pop art, wearable art, performance art, conceptual art, and installation art. Various types of "hybrid" art increasingly came into vogue. As technology advanced, artists increasingly incorporated electronics, video, computers, synthesized music and sounds, and video games into their art. The aesthetics of manga and anime, which so many younger artists had grown up immersed in, exerted an increasing if sometimes quite subtle influence. Above all, artists eschewed anything redolent of "high art" or "fine art" in favor of the personal, the eclectic, the fantastic or phantasmagoric, and the playful. In edition, female artists such as Mika Yoshizawa became more and more accepted and supported by the art world in Japan.
Contemporary art in Japan Edit
Japanese contemporary art takes as many forms and expresses as many different ideas as worldwide contemporary art in general. It ranges from advertisements, anime, video games, and architecture as already mentioned, to sculpture, painting, and drawing in all their myriad forms. Japanese artists have made especially notable contributions to global contemporary art in the fields of architecture, video games, graphic design, fashion, and perhaps above all, animation. While anime at first were derived primarily from manga stories, [ بحاجة لمصدر ] diverse anime abounds today, and many artists and studios have risen to great fame as artists Hayao Miyazaki and the artists and animators of Studio Ghibli are generally regarded to be among the best the anime world has to offer.
At the same time, many Japanese artists continue to use traditional Japanese artistic techniques and materials inherited from premodern times, such as traditional forms of Japanese paper and ceramics and painting with black and color ink on paper or silk. Some of these artworks depict traditional subject matters in traditional styles, while others explore new and different motifs and styles, or create hybrids of traditional and contemporary art forms, while using traditional media or materials. Still others eschew native media and styles, embracing Western oil paints or any number of other forms.
In sculpture, the same holds true some artists stick to the traditional modes, some doing it with a modern flair, and some choose Western or brand new modes, styles, and media. Yo Akiyama is just one of many modern Japanese sculptors. He works primarily in clay pottery and ceramics, creating works that are very simple and straightforward, looking like they were created out of the earth itself. Another sculptor, using iron and other modern materials, built a large modern art sculpture in the Israeli port city of Haifa, called Hanabi (Fireworks). Nahoko Kojima is a contemporary Kirie artist who has pioneered the technique of Paper Cut Sculpture which hangs in 3D.
Takashi Murakami is arguably one of the most well-known Japanese modern artists in the Western world. Murakami and the other artists in his studio create pieces in a style, inspired by anime, which he has dubbed "superflat". His pieces take a multitude of forms, from painting to sculpture, some truly massive in size. But most if not all show very clearly this anime influence, utilizing bright colors and simplified details.
Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, and Tabaimo are considered significant artists in the field of contemporary Japanese art. [71] The Group 1965, an artists' collective, counts contemporary artist Makoto Aida among its members. [72]
Many traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use—Buddhist, Shintō, and folk—have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (6th to 7th centuries), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the 7th-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh.
Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th-century Western architecture.
Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.
Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (بونساي), and ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.
The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the 12th century in yamato-e, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.
The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the 10th or 11th century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (wabi), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (sabi). Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen kōan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.
Modern concepts Edit
Today, Japan has developed a more modern cultural aesthetic often associated with Shojo manga known as "kawaii," which can otherwise be described as "cute". Typically represented through cartoons and animation, kawaii has had a powerful cultural impact and is also a powerful agent for Japanese advertisement and consumption. [73] The concept of "cuteness" that is currently displayed in kawaii has traditionally been revered in Japanese culture spanning back to the Edo period of art in the 15th century. [74]
Kawaii fashion found in Tokyo, Japan
Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.
Traditional aesthetics Edit
Traditional Japanese Aesthetics are forms of beauty in Japanese culture that derive from the earliest centuries. At least over two-hundred years ago. Some of these early aesthetics make up the Japanese Aesthetic as a whole: Syncretic Buddhist Art, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui, and Jo-ha-Kyu.
Syncretic Buddhist art Edit
Wabi-Sabi Edit
This aesthetic in Japanese culture is known for many things such as beauty in all things, even those that are imperfect. Modesty and unconventional things are what are seen as the wabi-sabi aesthetic. Wabi and sabi both make up the aesthetic of beauty in incompleteness together. When separated, both serve as differing terms. Wabi stands for fresh, simple work, denoting all complication and having a very rustic feel to all it relates too. Being made from nature and made from man itself in a tandem. If made by accident, it brings about a certain uniqueness to the work. Sabi is beauty and how it originates from age. The cycle of life plays a great role in sabi, adding to the aesthetic that sense of beauty in works that receive mending damage from aging over time. When bringing wabi and sabi together, it creates the aesthetic that every simple piece developed does not require a complicated design. Nor does it require absolute completeness for beauty to be found in it, and with age comes more delicate beauty.
Wabi-sabi has always been related to tea ceremonies in Japanese culture. It is said that these ceremonies are profound wabi-sabi events. Wabi-sabi is also related to activities such as architecture, fashion, and philosophy. All of these portions of wabi-sabi all share belief in the same theme: all imperfections such as incomplete work holds undeniable beauty. However, not everyone, of course, favors the idea behind wabi-sabi. While this is true, there are many who wish to keep the belief alive despite what others believe. Overall, wabi-sabi seems to be a very mindful approach to everyday life. A calm way to see things, and a way to live without coming off as judgmental. When understanding wabi-sabi, there are terms that strongly relate to the aesthetic as well.
Fukinsei: asymmetry, irregularity. Kanso: simplicity. Koko: basic, weathered. Shizen: without pretense, natural. Yugen: subtly profound grace, not obvious. Datsuzoku: unbounded by convention, free. Seijaku: tranquility, silence.
Each of these terms are used to break down the complete understanding of wabi-sabi. It more so relates to the philosophy aspect of the entire aesthetic and how to view one's surroundings. These can allude to several things including the ideas in humans, the themes behind certain aspects of life, or nature itself. Each term leads back to the point that wabi-sabi is an aesthetic that is about appreciating the small things that are imperfect and or incomplete.
Miyabi Edit
In the ongoing history of Japan, miyabi can stand for many things. However, it seems to be centered around the concept of elegance, beauty, refinement, and courtliness. For this, it is one of the older aesthetics among most of the Japanese aesthetics in the culture. That would explain why it is not as popular as the rest which may be newer compared to miyabi. It is a term that is also used to express aristocratic culture. Miyabi eliminates all forms of rudeness and crudity from the culture. This brings about the proper picture and form of aristocratic culture. Miyabi brings about these changes. Miyabi ensures that refinement of love, literature, feeling, and art is celebrated within the Japanese culture. Refinement is welcomed.
Shibui Edit
Shibui is coming to understand an object or an art piece for what it is. Locating simple and subtle beauty in certain things is a goal when it comes to designing or reviewing certain designs. In many ways, shibui is very similar to wabi-sabi but is not wabi-sabi. Shibui appreciates items and objects for simply being. There is no complication or irrational thinking when it comes down to shibui. Akin to certain aesthetics in the Japanese culture, there are a couple of terms in relation to Shibui: shibumi is the taste of shibui Shibusa is the state of shibui.
Both these terms relate to subtle, unobtrusive beauty. There are several items and objects that can be considered a part of the shibui aesthetic, not just art or fashion. It can also be people, animals, songs, movies, several different types of media can be seen as shibui. For example, a pair of shoes, a camera, a moped bike, and several different pieces of art or objects used for everyday activity can be seen as shibui. Direct and simple is the way of shibui. Nothing over the top or too flashy.
Jo-ha-kyu Edit
This is an aesthetic that originated from the Noh Theatre and even appeared in the 14th century. It is used in different art forms in Japan even still today. It is a movement that has been applied in several different arts with jo, ha, and kyu standing for individual things to make up its definition: jo, 'beginning' ha, 'break', 'crack' kyu: 'rapid', 'over'
Essentially, what this aesthetic means is that when it comes down to pieces that deal with movement, things should start slowly with proper build-up. Almost akin to how a story is told. Then once it reaches its climax, it speeds up. When it reaches its end, then that is when things begin to rapidly speed up until all of a sudden it has reached an ending.
Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.
After the World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The PEN Club of Japan (PEN stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.
Art schools Edit
There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Art University, which produced many of Japan's late 20th-century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the شرط لا غنى عنه of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.
The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ￥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division (文化財保護部, now 文化財部) protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and The National Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Art Academy, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ￥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Order of Culture. Tokyo University of the Arts also taking active roles on several art events in previous years. Their other campuses are also involving varied courses.
Private sponsorship and foundations Edit
Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.
In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.
A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.
